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Jordi Ferreiro: Other Supports

Jordi Ferreiro: Other Supports

18 Jul - 28 Jul 2019
Lighthouse Brighton (Brighton, Reino Unido)
Tras un exitoso proyecto en Bergen Kunsthall (Noruega), Lighthouse invita al artista español Jordi Ferreiro a su primera comisión en el Reino Unido en julio de 2019. Ferreiro utiliza estrategias basadas en la educación experimental para reimaginar organizaciones. Como parte de una fase de reurbanización para Lighthouse, considerando su papel como una de las organizaciones artísticas más antiguas de Brighton, Ferreiro trabajará con el público local para contribuir a las futuras imaginaciones del edificio. Esta será la primera comisión de artistas a gran escala del artista español Jordi Ferreiro en el Reino Unido. Ferreiro (Barcelona, ​​1982) es un artista y educador. Su trabajo explora los procesos de recepción e interpretación de obras de arte, tanto en contextos educativos como artísticos, a través del uso de la performance y la participación pública, incluida la radio, las audioguías y las visitas guiadas. En los últimos años, Ferreiro ha realizado proyectos en Whitechapel Gallery, Londres; Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid; Fundació Antoni Tàpies, Barcelona; y ARCO, Madrid - y Bergen Kunsthall, Noruega, apoyados por las ayudas a la movilidad de AC/E.
Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro 2019

Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro 2019

04 Jul - 28 Jul 2019
Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro (Almagro, España)
‘El mundo iluminado, y yo despierta’, es el verso de Sor Juana Inés de la Cruz, lema de la edición de este año en la que hasta 47 estrenos, 23 de ellos absolutos, se disfrutarán en los distintos espacios de la ciudad manchega. En total una programación con 68 compañías que realizan 144 funciones, un 99% de las mismas sobre Siglo de Oro originalmente escrito en español. México, País Invitado de Honor, ofrece una visión transversal de su incomparable patrimonio virreinal con teatro, danza y otras actividades llegadas desde el Gobierno Federal, Ciudad de México y los estados de Guerrero, Jalisco y Guanajuato. Esta 42ª edición se desarrolla entre los días 4 y 28 de julio en la icónica ciudad manchega, y las entradas se pueden adquirir a través de www.festivaldealmagro.com. Los visitantes que en julio pasen por Almagro tienen una amplia y variada oferta de exposiciones, todas gratuitas. Entre estas y esta la que se ha presentado este año en el Pabellón de España del PQ19, Cuatrienal de Praga, organizada por AC/E, junto a  INAEM, AECID y RESAD, y que alberga la iglesia de San Agustín y está comisariada por Ángel Martínez Roger. ​ Además AC/E colabora un año más con su programa PICE de internacionalización de la cultura española, facilitando la participación de programadores internacionales del sector de las artes escénicas invitados por el festival a las jornadas profesionales que celebra cada edición.
Programa de Flamenco El Dorado 2019

Programa de Flamenco El Dorado 2019

01 Jul - 31 Jul 2019
Universitat de Barcelona (Barcelona, España)
AC/E apoya el programa de la SFB El Dorado durante el año 2019 que tiene como objetivo profundizar y difundir la cultura flamenca, consolidar un espacio estable de estudio y difusión del flamenco en Barcelona y promocionar a músicos y otros artistas de flamenco locales y nacionales.   El flamenco se asoma al siglo XXI con un bagaje propio nada despreciable. Ha resistido el envite de los procesos generales de aculturación y la sustitución de la cultura popular por la cultura de masas. Frente a la estandarización, el sincretismo y la homogeneización de estilos impuestos desde los intereses económicos al sector de la creación musical, el flamenco ha conservado sus rasgos singulares, al mismo tiempo que ha sabido evolucionar, asumiendo las propuestas artísticas de sus intérpretes que no han dejado de aportar elementos novedosos, y a veces rompedores, al fondo artístico común. Programa para 2019, con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) 1ER TRIMESTRE 21 de marzo: Concierto de Leonor Leal, bailes y Antonio Moreno, percusión. Se prohíbe el cante. En colaboración con el ciclo Danza. Quincena Metropolitana. 28 de marzo; Concierto de clausura del ciclo El Ojo Partido con la participación de los guitarristas, Alfredo Lagos, Raúl Cantizano, Marta Robles y Ekaterina Zaytseva. 2NDO TRIMESTRE 11 de abril: Concierto de cante y guitarra a cargo de Manuel Gerena y Juan Ignacio González​. 2 de mayo: Concierto de David Peña Dorantes (piano) y Javi Ruibal (percusión)​. 9 de mayo: Performance de José Manuel Gutierrez, El Gufi. Con el título “Jazz Flamenco, pioneros y desarrollo de un estilo sin dogmas”. 23 de mayo: Concierto de Carlos Benavent, Roger Mas, Aleix Tobias y Tomasito al  baile . 6 de junio: Concierto de José Quevedo,” Bolita”, Pablo Martín Caminero, y Paquito González,.​ 19 de junio: Coloquio Guillermo MacGill & Pere Pons; “Flamenco – Jazz a pie de obra” 20 de junio: Concierto. Mariola Membrives, Guitar Band 27 de junio: Concierto de guitarra a cargo de José Antonio Rodríguez.​ 3ER TRIMESTRE (verano) Curso El Flamenco un Arte Popular Moderno que se abordará en el marco de las jornadas de “Els Juliols de la UB”, que la Universidad de Barcelona organiza cada verano. 4ER TRIMESTRE 26 septiembre: Concierto inaugural de la temporada con la participación de Esperanza Fernández, cante y Miguel Ángel Cortes, guitarra 10 octubre: Conferencia de José Javier León, ilustrada con el baile de Belén Maya, titulada “El Duende. Hallazgo y cliché”. 17 octubre: Concierto de jóvenes artistas, por determinar. 24 octubre: Concierto de José Valencia, cante y Juan Requena, guitarra 7 noviembre: Concierto de cante, guitarra y baile *pendiente de confirmar 14 de noviembre: Conferencia a cargo de Pepa Sánchez, directora de la Fundación Cristina Heerenn, acerca de los objetivos y logros conseguidos en la formación de profesionales del flamenco. 28 noviembre: Concierto *pendiente de confirmar 12 diciembre: Concierto de cante, guitarra y baile de Isabel Bayón. Desde los inicios del género, Barcelona ha sido un lugar de referencia en el desarrollo de la cultura flamenca. Estuvo presente en la inauguración del Liceo en el año 1847 y por los cafés cantantes de la ciudad, en especial aquel Villa Rosa regentado por la familia Borrull, donde desfilaron todas las figuras de la época (Chacón, Manuel Torre, Ramón Montoya, Sabicas, Pastora Pavón...). De la vitalidad flamenca de entonces dan fe las crónicas de Sebastià Gasch en su tribuna del semanario Mirador, el ambiente del bar Manquet donde solían actuar los Amaya con su niña Carmen y también que Vicente Escudero, amigo fraterno de Gasch y de Joan Miró, hiciera de Barcelona su segunda ciudad, después de París. El Dorado SFB es una asociación cultural de base sustentada en el trabajo voluntario de sus asociados y así sigue con la voluntad de promocionar y difundir la cultura flamenca en la ciudad de Barcelona mediante la consolidación de un espacio estable que aglutine una actividad cultural y musical en torno al flamenco para desde esa especificidad, poder participar e incidir en la vida cultural de la ciudad. Entre sus actividades organiza conferencias, debates, exposiciones, cine y sobre todo conciertos, con el objetivo de crear las condiciones necesarias para que el flamenco desarrolle su potencial, atendiendo a las diferentes tendencias que abarca y a la dinámica que de ello resulta. El Dorado tiene su sede estable en el Centro Cívico Parc Sandaru y goza de disponibilidad de utilizar todas sus instalaciones – auditorio, sala de exposiciones, salas de reuniones, etc. – para cualquier evento.
Espacios de edición / Editing Spaces 2019

Espacios de edición / Editing Spaces 2019

01 Jul - 30 Nov 2019
The Institute for Endotic Research (Berlín, Alemania)
El Instituto de Investigación Endótica (TIER) busca con este proyecto presentar un enfoque transdisciplinar que reúna la práctica del arte y la escritura. El programa "Espacios de edición" se desarrolla como una exposición grupal desarrollada a través del tiempo: cada dos semanas, se agrega una contribución más al espacio, creando un palimpsesto. Al final, hay un espacio con cada contribución y una publicación que los recopila todos. Los artistas participantes son: Discoteca Flaming Star, Alicia Kopf, Josep Maynou, Mattin y Laura Vallés. El trabajo de los artistas / curadores invitados a Editing Space se desarrolla desde las traducciones de textos a las instalaciones, desde transiciones entre lo escrito y lo performativo. 
Granero 2019 (2 edición)

Granero 2019 (2 edición)

01 Jul - 30 Nov 2019
Instituto Cultural de León (León, México)
En su segunda edición, Granero arranca poniendo el foco en la creación iberoamericana contemporánea con los artistas Kiko Pérez (español), que participa con las ayudas a la Movilidad de AC/E,  y Ana Navas (venezolano-ecuatoriana) y la curadoría de Manuela Moscoso (ecuatoriana). Los artistas permanecerán un tiempo en residencia en León tomando los contextos de la ciudad y de otras localidades rurales próximas como entornos de inspiración. Además del trabajo de producción, se desarrollarán actividades, muestras y una exposición final. Granero es un proyecto de residencias artísticas y programación cultural en León, Guanajuato, que promueve la creación de arte en contexto y en diálogo con las comunidades locales. En cada edición anual se ofrece un espacio de residencia y producción de arte contemporáneo, al que se vincularán otras actividades paralelas, una publicación anual y exposiciones. Desde Granero se invita a los artistas al desarrollo de proyectos que reflexionen sobre los términos territorio y paisaje.​
Entre piedras

Entre piedras

01 Jul - 31 Dic 2019
Museo de Arte de Zapopan (Zapopán, México)
En este proyecto expositivo, titulado "Entre piedras" la curadora y gestora cultural española Susana González, a propuesta de la directora del Museo de Arte de Zapopán - MAZ (Jalisco, México), Viviana Kuri, invita a los artistas Aljcia Kwade, Pedro Cabrita Reis y José Dávila a desarrollar una propuesta que ofrezca la posibilidad de incluir obras "site-specific" en el MAZ. Apoyada con la ayuda a la movilidad del programa PICE de AC/E, la comisaria y gestora cultural española Susana González prepara durante estos meses este proyecto expositivo en el que los creadores elegidos realizarán obras "site-specific" para la celebración de la muestra, incidiendo en la relación entre el espacio arquitectónico, la obra artística y su contexto social, en relación a los nuevos paradigmas escultóricos representados por los creadores. En el planteamiento inicial se ha pensado llevar a cabo un proyecto expositivo abierto que ofrezca la posibilidad de incluir obras "site-specific" en el MAZ. Con ellas se pondrá de relieve el relato de sus obras a través del proceso de trabajo lógico/intuitivo/crítico en comunicación con la arquitectura y valiéndose de materiales sencillos del entorno, algunos de ellos reciclados. El proyecto propone un trabajo que incida en la relación icónica entre arte y arquitectura, en la relación reflexiva con el edificio y en el acercamiento al hecho arquitectónico, pero sobre todo en la identidad, en la memoria y en el tiempo del contexto histórico-social donde se inserta.
Poesía Brossa

Poesía Brossa

29 Jun - 29 Sept 2019
Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires (Buenos Aires, Argentina)
Poesía Brossa es una revisión exhaustiva del trabajo del artista catalán Joan Brossa desde sus primeros libros hasta sus últimas investigaciones plásticas, atravesando el teatro, el cine, la música, las artes de acción, los gestos de los que fue pionero. Joan Brossa (Barcelona, 1919/98) es , sobre todo, un poeta. La exposición quiere poner en diálogo y confrontar su obra con la poesía de artistas como Marcel Mariën, Nicanor Parra y Ian Hamilton-Finlay, y también con los poetas del letrismo, la poesía visual, la poesía concreta, experimental, expandida o Fluxus. Brossa es poeta, pero sus trabajos siempre se encuentran en el cruce de lenguajes. Colaborador frecuente de otros artistas, así como de músicos, cineastas, bailarines, humoristas e incluso magos, su obra juega constantemente a romper las convenciones y los límites entre disciplinas. Joan Brossa desarrolla su práctica artística desde los años cuarenta, en un contexto sociopolítico marcado por la dictadura franquista y en una situación cultural caracterizada por la ausencia de propuestas vanguardistas e innovadoras. Desde sus inicios, Brossa lleva a cabo un trabajo de renovación estética fundamentado en la investigación literaria y artística. Hasta el momento de su muerte, su extensísima producción no deja de buscar nuevas formas de expresión y de experimentar con los diferentes medios. En 2011 el Museu d’Art Contemporani de Barcelona recibió el depósito del Fondo de la Fundació Joan Brossa, que reúne el legado de este artista. El Fondo consiste en obras manuscritas, documentos, correspondencia y su biblioteca personal, entre otros materiales, y constituye una herramienta inigualable para abordar el interesantísimo trabajo de este artista. La exposición organizada por el MACBA con el apoyo de Acción Cultural Española, AC/E quiere aproximarse a la obra de Brossa haciendo hincapié en la reconsideración de su influencia e interrelación con la práctica de otros artistas. El proyecto pretende revisar las constelaciones de artistas en torno a Brossa, las interrelaciones con trabajos que quizás desconociera, pero que permiten establecer numerosos paralelismos, buscar diálogos y tensiones, y enfatizar los aspectos performativos de su práctica poética, su poiesis. La exposición se acompaña de una publicación que aborda estos aspectos.    Actividades paralelas Curso La gente habla Brossa A cargo de Pedro G. Romero Lunes 11 y martes 12 de diciembre, de 18 a 20 h Auditorio Meier. 10 €. Gratuito con carné Amic. Inscripción previa en www.macba.cat Artes en vivo Cabaret Comisariado por Pablo Martínez y José Luis Villalobos Viernes, 27 de octubre, 3 y 10 de noviembre, a las 23h. Capella MACBA. 10 € por sesión. Gratuito con carné Amic. Compra anticipada de entradas en www.macba.cat
Oteiza y la estatuaria de Arantzazu

Oteiza y la estatuaria de Arantzazu

27 Jun - 27 Oct 2019
ArantzazuGaur Fundazioa (Oñati, Guipuzcoa, España)
#OteizaArantzazu | Las exposición se muestra en dos sedes en paralelo, por un lado el Museo de Oteiza en Alzuza (Navarra) y en la ArantzazuGaur Fundazioa en Oñati (Guipuzcoa). Ambas muestras analizan lo que significó el proyecto de Arantzazu para Oteiza, un encargo religioso que supuso el trabajo más comprometido de su carrera, en tanto que le obligó a adecuar su concepto escultórico al encargo sin renunciar a la modernidad y la proyección de la obra de arte como un servicio a la sociedad. El escultor y todos los artistas implicados en Arantzazu, realizaron un proyecto común, a favor de una Basílica que se ha convertido hoy en un referente de la renovación artística del siglo XX. En el Museo Oteiza se muestran más de un centenar de estudios escultóricos en yeso, en su mayoría obras inéditas, procedentes de su legado. Su estatuaria permite entender las búsquedas conceptuales y simbólicas del artista y fundamentalmente la evolución de su escultura, hasta concluir en la fachada actual. Esta exposición da prioridad a la evolución escultórica del proyecto, y recorre el relato histórico a través de medios audiovisuales, fotografías, documentación y prensa. Se analizan las posibles soluciones que plantea el artista hasta alcanzar la fachada definitiva, que contiene un espacio vacío que acoge al visitante. En palabras del escultor, «un espacio receptivo, un aislador metafísico». En el ArantzazuGaur se muestra una secuencia desde el concurso arquitectónico hasta la instalación de las obras de Oteiza en la fachada. Teniendo como base un desarrollo cronológico, se exponen una treintena de esculturas (procedentes del Museo Oteiza y del Archivo de Arantzazu), numerosa documentación, fotografías, prensa y medios audiovisuales. La exposición documenta las distintas acciones que tratan de poner solución al «problema de Arantzazu» tras la paralización de las obras, hasta que finalmente fuera retomado en 1968 y se consiguiera instalar la obra en 1969.
Guerrero / Vicente

Guerrero / Vicente

20 Jun - 22 Sept 2019
Museo de Bellas Artes de Asturias (Oviedo, España)
El Centro José Guerrero de Granada y el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente presentan, con el apoyo institucional como organizador de Acción Cultural Española, y con la colaboración del Museo de Bellas Artes de Asturias en su calidad de sede, un proyecto expositivo que pone en relación la obra de los dos únicos artistas españoles que formaron parte de una de las corrientes artísticas más importantes del siglo XX: el Expresionismo Abstracto Americano. Con la exposición “Guerrero / Vicente” se ponen de manifiesto las similitudes, y las diferencias, entre dos artistas que, tradicionalmente, la historiografía ha tratado siempre individualmente y por separado, dada la férrea personalidad artística y estilística de ambos. Existen una serie de coincidencias vitales que marcan los años de aprendizaje de los dos. Esteban Vicente nace en 1903 y José Guerrero en 1914, por lo que, hasta una fecha central en las dos trayectorias, el primero se anticipó a los movimientos del segundo. Pero compartieron los mismos escenarios. Los dos estudiarían en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Tras su formación académica, los dos encaminaron sus pasos a París, hervidero de la vanguardia artística europea. Los dos se sintieron especialmente atraídos por Matisse, pero también por el cubismo y la Escuela de París. Gracias a sus matrimonios con sendas mujeres norteamericanas, los dos se trasladaron a los Estados Unidos. Esteban Vicente en 1936, José Guerrero en 1949. Una guerra medió entre ambas partidas. Los dos habían dado comienzo a su carrera en el marco de una figuración renovada que paulatinamente iba diluyendo la mímesis y acercándose a la abstracción. El punto de inflexión en ambos casos, el año que señalaría el cambio de lenguaje artístico, es 1950. Para Esteban Vicente, el acontecimiento más importante de su vida sería la exposición Talent 1950, para la que fue seleccionado por Meyer Shapiro y Clement Greenberg. El mismo año, José Guerrero se instaló en Greenwich Village, donde estaba establecida una importante colonia de artistas, y comenzó a tratar a agentes que pronto lo llevaron a la galerista Betty Parsons. Se relacionaron, cada uno con sus filias y sus fobias, con De Kooning, Rothko, Kline, Motherwell, Guston, Newmann, Pollock, etc., y desde entonces se mantuvieron fieles a los dictados de la primera generación del Expresionismo Abstracto Americano. A pesar de las diferencias estilísticas, ambos tuvieron una preocupación común por el color. En el caso de Guerrero, muy pronto, como elemento estructurador de la composición; en el de Vicente, más tarde: su primera preocupación fue por la estructura del cuadro, pero a finales de 1950, comienza a investigar sobre el modo de atrapar o fijar la luz, y lo consigue gracias al color, que además impregna la obra de emoción. La selección de obras de la exposición con la que se mostrarán sus dos carreras paralelas se centra en tres momentos señalados de un recorrido compartido: -Los inicios pictóricos en clave figurativa, con una selección de sus paisajes respectivos, que fue el género que más desarrollaron: escenas urbanas y rurales en las que puede atisbarse una progresiva inclinación hacia la abstracción. -Los primeros años 50, con la inmersión plena, decidida y sin vuelta atrás en la abstracción, para la cual fue determinante en ambos casos la exploración plástica llevada a cabo en papel: para Vicente el collage, para Guerrero el grabado, fueron laboratorios experimentales con los que avanzaron hasta sentirse seguros en esta nueva senda. -Los años 70, a partir de los que fueron destilando una voz característicamente propia, que alcanzó en estos años su plena madurez, llevando a diferentes modos de asumir la pintura de los campos de color. José Guerrero concedía gran importancia al espacio, sus límites, las fronteras entre planos, las zonas en las que los colores se interrelacionan; lo que le interesa, en palabras de Juan Manuel Bonet, “es que el color fluya, que la pintura respire, que el cuadro sea vibrante, luminoso, cargado de energía”. Por su parte, Vicente en estos años ya ha levantado un mundo propio organizado a partir de formas que flotan en el espacio y dotan de sentido a la obra, y en el que trabaja obsesivamente la gradación y saturación del color y, a su través, la luz. Con motivo de la muestra se edita un catálogo que cuenta con un texto principal de Inés Vallejo, que aborda la exposición desde un criterio académico, histórico y científico, a partir de la investigación que llevó a cabo para su tesis doctoral (Esteban Vicente y José Guerrero: dos pintores españoles en Nueva York, UCM, 2010). Además, la publicación contará con tres textos introductorios de cada uno de los bloques en los que se divide la muestra, realizados por tres importantes historiadores y críticos de este país: Juan Manuel Bonet; Guillermo Solana y José María Parreño.